La Galería de Arte Estudio Laterna. Donde el arte se despliega a lo largo del espacio, entrelazando formas y energías dinámicas que invitan al espectador a una experiencia multidimensional. Se invita a los visitantes a interactuar con una colección curada que trae profundidad escultórica y matices pictóricos a la conversación, creando un viaje sensorial que provoca la introspección. Aquí, cada pieza se erige como un testimonio del poder transformador del arte, invitando a reflexiones que perduran más allá de la vista inmediata.

Cultivamos alianzas que conectan a los artistas con el público, fomentando un diálogo que amplía perspectivas y enciende la creatividad. Cada obra de arte sirve como un conducto para explorar el juego de diversas fuerzas, invitando a una reflexión sobre las relaciones complejas que compartimos. En este entorno colaborativo, creamos un espacio donde la inspiración florece y la expresión artística se eleva, promoviendo una apreciación por las complejidades de nuestro mundo y el arte que lo habita, a través de exposiciones contínuas y una rica diversidad de voces artísticas.

Enrich³
Exposición actual
Inauguración 2 de mayo

EDUARDO CHILLIDA BELZUNCE
Exposición pasada
Inauguración 4 de octubre

Ver BIO y CV

CARLITO DALCEGGIO
Exposición pasada
Mayo/Octubre 2024

TEMPORAL LAYERS
Exposición pasada
Inauguración 19 de Marzo

ENRIC MAJORAL
Exposición Permanente

ARTURO BERNED
Exposición pasada

PHENOMENA
Exposición pasada
Diciembre 2023 / Mayo 2024

LANDSCAPE OF THE SUN
Exposición pasada
Diciembre 2023 / Mayo 2024

La Galería de Arte Estudio Laterna. Donde el arte se despliega a lo largo del espacio, entrelazando formas y energías dinámicas que invitan al espectador a una experiencia multidimensional. Se invita a los visitantes a interactuar con una colección curada que trae profundidad escultórica y matices pictóricos a la conversación, creando un viaje sensorial que provoca la introspección. Aquí, cada pieza se erige como un testimonio del poder transformador del arte, invitando a reflexiones que perduran más allá de la vista inmediata.

Cultivamos alianzas que conectan a los artistas con el público, fomentando un diálogo que amplía perspectivas y enciende la creatividad. Cada obra de arte sirve como un conducto para explorar el juego de diversas fuerzas, invitando a una reflexión sobre las relaciones complejas que compartimos. En este entorno colaborativo, creamos un espacio donde la inspiración florece y la expresión artística se eleva, promoviendo una apreciación por las complejidades de nuestro mundo y el arte que lo habita, a través de exposiciones contínuas y una rica diversidad de voces artísticas.

EDUARDO CHILLIDA BELZUNCE
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La Galería de Arte Estudio Laterna. Donde el arte se despliega a lo largo del espacio, entrelazando formas y energías dinámicas que invitan al espectador a una experiencia multidimensional. Se invita a los visitantes a interactuar con una colección curada que trae profundidad escultórica y matices pictóricos a la conversación, creando un viaje sensorial que provoca la introspección. Aquí, cada pieza se erige como un testimonio del poder transformador del arte, invitando a reflexiones que perduran más allá de la vista inmediata.

Cultivamos alianzas que conectan a los artistas con el público, fomentando un diálogo que amplía perspectivas y enciende la creatividad. Cada obra de arte sirve como un conducto para explorar el juego de diversas fuerzas, invitando a una reflexión sobre las relaciones complejas que compartimos. En este entorno colaborativo, creamos un espacio donde la inspiración florece y la expresión artística se eleva, promoviendo una apreciación por las complejidades de nuestro mundo y el arte que lo habita, a través de exposiciones contínuas y una rica diversidad de voces artísticas.

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Enrich³

In a studio in Igualada — a Catalan town shaped by its industrial past and quiet reinvention — an artistic constellation has quietly formed. A father, Ramon Enrich, and his two sons, Enrich.R and Isidre Enrich. Their practices are distinct, their voices independent, yet bound by a deeper rhythm: a visual inheritance shaped through presence, repetition, and shared time.

When Ramon painted, his sons watched. Two small chairs, designed by him, were placed beside the easel. They weren’t there for comfort, but for attention. For witnessing the studio as a space of stillness and structure, a place where a thought could unfold slowly and without demand. From this early proximity came not a method, but a way of being — one that values doubt, silence, and the discipline of looking.

This exhibition, curated by Luis Galliussi,  traces the outcome of that proximity. The works do not echo one another. They resonate. Each artist moves with autonomy, but within a shared atmosphere — one shaped by Igualada’s Rec district: a place of old tanneries, water channels, and industrial residue. The texture of that environment — its worn surfaces, its soft edges — appears again and again in their work. Together, they form a kind of family triad: elemental, rigorous, and remarkably still.

Ramon Enrich

Ramon Enrich’s work exists at that threshold where looking and perceiving unsettle logic.

Architectural elements serve as expressive vehicles to explore painting through emotion.

The symbolic value of his forms, combined with a sense of narrative intent, poses an enigma that stimulates the viewer and guides them toward ambiguous territories, where sensation prevails and interpretation defies linearity.

Essential scenes, both refined and rooted, engage in dialogue with the passing of time, the contemporary and the ancestral, the functional and the essential.

Small constructions infused with materiality reveal a universe where beauty emerges as something both enigmatic and tangible. Silent, dust-covered settings evoke a Mediterranean scorched by light.

His sculptures pulse in slow, circular cycles, carrying a minimal gesture capable of activating the inert through contained hypnosis. They are suspended drawings in air — abstractions that float lightly, radiating intensity.

In his canvases, painting becomes matter, colour, vibration, and rhythm; it defies structural logic through the illusion of the pictorial, as if everything were part of an intimate and revealing stage.

Each image seems to capture the moment just before disappearance — a vision of landscape that lies closer to inner rhythm than to reason.

Colour is not merely tonal; it becomes substance. And painting, far from being mere surface, acts as a form of construction. Enrich conceives everything from the inside out, projecting the essential beyond the edges.

His compositions inhabit the contemporary with a serene clarity, yet their structural and symbolic complexity reveals a deep thought process that leads us into unfamiliar spaces that somehow feel like our own.

Enrich. R

Starting from a new abstraction, attempts to explain a work often become its own limitation. In painting, discovering hidden energy means understanding a little more — and breaking that understanding to go further. Even without grasping anything fully, images and poetry bring us closer to what is beautiful, good, and true in ways we cannot explain.

This mystery — the one we cannot fully uncover — is the very material from which images are built. Something always new emerges from this undefined space, avoiding the traps of formalism and exploring the internal logic of things. Explanations are often constructed like fiction, created to make us feel safe, to help us believe we understand everything.

To symbolise the inner world through the outer one is not a linear path. It does not begin in a single place, nor does it lead to a single point. What drives Enrich.R is a poetic intuition — the sense that behind the metaphor lies something more than a substitute for reality. This has always been the foundation of his practice, echoing the clarity and simplicity found in artists like Brancusi, Flavin, and Long, whose restraint opens up paradoxically expansive creative languages. This is the path of Enrich R: one defined by the search for a personal expression of the lived landscape.

Simplicity, transience, asymmetry — in Enrich.R’s work, these elements carry a quiet tension. He avoids the surface and chooses instead to dwell in what lies beneath. Backgrounds fade, colours evaporate, paths become unclear. Organic forms drift, losing their trace, leading the eye toward emptiness.

Like his water stains drying on the wall in sunlight, each painting has its own course, and each idea its own quiet logic.

From canvas to canvas, Enrich.R writes the letters of his code.

Isidre Enrich

A flower at the centre of the canvas.

This is where Isidre Enrich begins — with a gesture that appears simple, but carries quiet significance. Over time, it becomes a method of reflection: on impermanence, on beauty, on the passing of time. The flower becomes less a symbol than a presence. A form suspended between appearance and emotion.

Each painting seeks a new atmosphere. Variations in colour, rhythm, and structure open up subtle changes in tone. The image is always recognisable, but never repeated. It shifts — sometimes upright, sometimes leaning, sometimes dissolving toward the edge. What remains constant is a sense of attentiveness, of time held briefly and with care.

The idea of vanitas runs beneath the surface, not through literal reference, but as a feeling — the awareness that everything is fleeting, and that this is where beauty often resides. Isidre does not paint flowers in the traditional sense. He paints the weight of a moment. A quiet state made visible through colour, texture, and line.

His recent works reveal a visual logic that is both unusual and precise. Each composition holds a tension between order and spontaneity, between the discipline of form and the vulnerability of expression. The result is a kind of personal language — minimal, emotive, and exacting.

Behind the apparent simplicity lies an extraordinary clarity. A balance of fragility and structure, held for a moment, then released.

The Rec: A Living Archive

In the heart of Igualada lies El Rec — a district etched with memory, material, and quiet resistance. Once the industrial lung of the town, El Rec emerged in the Middle Ages around a man made canal that diverted water from the Anoia River, sustaining the city’s thriving tanning industry for centuries. The neighborhood evolved into a dense network of factories, warehouses, and family-run workshops, forming a unique topography shaped by leather, labour, and water.

Even today, you can feel the sediment of time here — in the rusted iron doors, the scent of old stone, and the light that filters through half-abandoned buildings.

For the Enrich family, El Rec is not just a setting but a deep source of aesthetic and emotional material. It is where they live, walk, and work. Ramon Enrich, and his sons Enrich R and Isidre, absorb the visual and symbolic textures of the neighborhood — its layered walls, geometric shadows, and quiet metaphysical pull. The Rec offers a model of imperfection and persistence, of time folded into structure. Its post-industrial poetry echoes in the constructions and silences found in their work.

Over the past two decades, this district has quietly transformed. Artists, designers, and local visionaries have repopulated its forgotten spaces, creating a new language of continuity and experimentation. But El Rec never fully gives itself away — it remains atmospheric, unfinished, more felt than understood.

In the context of this exhibition, El Rec is both backdrop and collaborator. A landscape of material memory that animates the Enrichs’ architecture of emotion.

Luis Galliussi

Enrich³

My story with them

“If I could say it in words, there would be no reason to paint.”

This phrase is attributed to an artist known for his solitary scenes and introspective atmospheres…

I, too, find it impossible to put into words what I felt the day I first encountered Ramon the son,

then Isidre, and finally Ramon the father.

From those encounters onward, my emotional puzzle led me to pause and dwell on each of them — on the impeccable, though distinct, execution of their work, and on the aesthetic grime, full of exquisite beauty, that filled their studios in Igualada, Catalonia.

Ramon the father and his two sons, Ramon and Isidre, together for the first time: that was my greatest motivation.

A shared creative bloodline coursing with conflict, doubt, and also a deep pride — the kind that arises when old souls, out of sync with their biological ages, are able to see and accompany one another, keeping secret what we will never know, yet allowing us to feel it when we approach their work.

So I visited them. We spoke at length. Each, in their own way, was generous in inviting me in, allowing me to step into their worlds — into their workspaces, which are essential to who they are as artists.

The emotion I still carry from that day in Madrid — where a pair of paint-splattered shoes became the fuel that pushed me forward — is what made me bring Enrich³ to my beloved island of Ibiza.

To bring them together in a setting like Estudio Laterna — a place that is perfect precisely because it is not a traditional gallery, but rather a space, a studio, where things happen. Things related to life — this time, artistic life, and as a family.

Enrich³ through my eyes… that is all I can say.”

Luis Galliussi, curator of experience

Summer 2025

RAMON ENRICH

Education

1985–1990 – École des Beaux-Arts, Barcelona

1987–1989 – Art History, University of Barcelona

1987 – École des Beaux-Arts, Paris (Erasmus)

1988–1990 – Graphic Arts, Gremi d’Arts Gràfiques de Catalunya, Barcelona

1990 – Universität der Künste, Berlin

Solo Exhibitions

2025 – Architectura e Utopia, Cadogan Gallery, Milan (Italy)

2024 – Solo show, RKFA Gallery, Singapore

2024 – Solo show, Cadogan Gallery, London (UK)

2024 – Solo show, Leonet Hoang, Brussels (Belgium)

2024 – Solo show, Amelie Maison d’Art, New York (USA)

2023 – Solo show, Artborescence Gallery, Paris (France)

2023 – Solo show, Amelie Maison d’Art, Paris (France)

2023 – Solo show, Antonia Jannone Art Gallery, Milan (Italy)

2020 – Solo show, Antonia Jannone Gallery, Milan (Italy)

2016 – Espai Volart, Fundació Vila Casas, Barcelona (Spain)

2013 – Donath Gallery, Troisdorf (Germany)

2012 – Al Bahu Space, Abu Dhabi (United Arab Emirates)

2012 – Club Montecarlo, Dubai (United Arab Emirates)

2012 – Kamila Regent Gallery, Saignon (France)

2010 – Sant Andreu de Llavaneres Archive Museum, Barcelona (Spain)

2009 – Galerie María José Castellví, Barcelona (Spain)

2007 – Carmen Terreros Gallery, Zaragoza (Spain)

2007 – Baltazar Gallery, Brussels (Belgium)

2003 – Arcturus Gallery, Paris (France)

2003 – Hof & Huyser Gallery, Amsterdam (Netherlands)

2003 – Galeria María Llanos, Lisbon (Portugal)

2002 – Hof & Huyser Gallery, Amsterdam (Netherlands)

2002 – Galeria María Llanos, Lisbon (Portugal)

2001 – Llucià Homs Gallery, Barcelona (Spain)

2001 – Ignacio de Lassaletta Gallery, Barcelona (Spain)

2001 – La Tour des Cardinaux Gallery, Marseille (France)

2000 – Zeitz Museum, Zeitz (Germany)

2000 – Serrahima Gallery, Barcelona (Spain)

2000 – Martini Gallery, Hong Kong (China)

2000 – Maison de la Catalogne, Paris (France)

2000 – Donath Gallery, Troisdorf (Germany)

2000 – Baltazar Gallery, Brussels (Belgium)

1999 – Kölmann Gallery, Wiesbaden (Germany)

1999 – Baltazar Gallery, Brussels (Belgium)

1999 – Pfundt Gallery, Berlin (Germany)

1998 – Museum of Modern Art, Mittelhof (Germany)

1997 – Donath Gallery, Troisdorf (Germany)

1996 – Giessen Museum, Giessen (Germany)

1995 – Trece Gallery, Ventalló (Spain)

1995 – Art Sud Gallery, Toulouse (France)

1995 – Ikeda Gallery, New York (USA)

1994 – Künstlerhaus Mousonturm, Frankfurt (Germany)

1993 – Marburg Museum, Marburg (Germany)

1993 – Art Sud Gallery, Tolosa (Spain)

1992 – Galeria 22, Igualada (Spain)

Selected Group Exhibitions

2024 – El Cuerpo del Silencio, Fundación Valentín de Madariaga, Seville (Spain)

2022 – Recent Artworks, Paris (France)

2022 – Art Paris (France)

2018 – Pigment Gallery, KIAF 2018 ART SEOUL, Seoul (South Korea)

2015 – Espai Volart, Fundació Vila Casas, Barcelona (Spain)

2014 – Design Academy, Berlin (Germany)

2014 – Sylt Gallery, Sylt (Germany)

2014 – Art Genève (Switzerland)

2013 – Paper World, Frankfurt (Germany)

2013 – Kd Kunst, Vollersode (Germany)

2013 – Robert & Tilton, Los Angeles (USA)

2012 – Melbourne Art Trade, Melbourne (Australia)

2011 – Design Academy, Berlin (Germany)

2011 – Sylt Gallery, Sylt (Germany)

2011 – Art Genève (Switzerland)

2010 – Art-Kunts Wien, Vienna (Austria)

2010 – Art Rotterdam (Netherlands)

2009 – Sylt Gallery, Sylt (Germany)

2009 – Art Genève (Switzerland)

2008 – Art-Kunts Wien, Vienna (Austria)

2008 – Art Rotterdam (Netherlands)

2007 – Design Raum, Bonn (Germany)

2007 – Art International, Zurich (Switzerland)

2007 – Miquel Alzueta Gallery, Barcelona (Spain)

2006 – Hof & Huyser Gallery, Amsterdam (Netherlands)

2006 – Il Polittico Gallery, Rome (Italy)

2005 – Jorge Alcolea Gallery, Madrid (Spain)

2005 – Kamila Regent Gallery, Saignon (France)

2005 – Carmen Terreros Gallery, Zaragoza (Spain)

2005 – Maison Kregg, Brussels (Belgium)

2005 – Sala Parés, Barcelona (Spain)

2005 – Gallery 22, Igualada (Spain)

2004 – Baltazar Gallery, Brussels (Belgium)

2004 – Jorge Alcolea Gallery, Madrid (Spain)

2004 – Art Sud Gallery, Tolosa (Spain)

2003 – Espai 21, Cambrils (Spain)

2000 – Von Lintel & Nusser Gallery, Munich (Germany)

1999 – Rare Art Properties, New York (USA)

1998 – Mason Gallery, San Antonio (USA)

1996 – Art Frankfurt, Frankfurt (Germany)

1996 – Künstlerhaus Mousonturm, Frankfurt (Germany)

1994 – Art Frankfurt, Frankfurt (Germany)

Collections

Banco Santander Collection, Madrid (Spain)

Fundació Vila Casas, Barcelona (Spain)

Barcelona City Council Collection (Spain)

Fundación Coca-Cola, Madrid (Spain)

Deutsche Bank Collection, Frankfurt am Main (Germany)

David Hockney Private Collection, Los Angeles (USA)

Donald Judd Private Collection, Marfa, Texas (USA)

Norman Foster Private Collection, London (United Kingdom)

ENRICH.R

Solo Exhibitions

Abstract Poems, Alzueta Gallery, Barcelona, Spain (2025)

Abstract Problems, Circle Culture Gallery, Berlin, Germany (2025)

Solo Exhibition, Palau de Casavells, Casavells, Spain (2024)

Month by Month, Galerie Ground, Brooklyn, New York, USA (2024)

Hampstead Park, Alzueta Gallery, Madrid, Spain (2024)

Solo Exhibition, Ruby Atelier, Copenhagen, Denmark (2023)

Solo Exhibition, Palau de Casavells, Casavells, Spain (2022)

Abstract Path, Alzueta Gallery, Barcelona, Spain (2022)

Solo Exhibition, Gallery B·R, Tetbury, UK (2022)

Solo Exhibition, Tour of Stradivarius Meets Art, Online (2021)

Solo Exhibition, Jazminos, Bilbao, Spain (2020)

Selected Group Exhibitions

Marco. Límite y lugar, Alzueta Gallery, Madrid, Spain (2025)

What Abstract Art Means to Me, Alzueta Gallery, Barcelona, Spain (2024)

Annex Gallery, Sun Contemporary, Bali, Indonesia (2024)

Group Exhibition, Amelie Maison d’Art, Paris, France (2023)

La Terre est Bleue Comme une Orange, Alzueta Gallery, Madrid, Spain (2023)

By Invitation, Alzueta Gallery, Círculo Ecuestre, Barcelona, Spain (2022)

Álbum de Familia, Alzueta Gallery, Madrid, Spain (2022)

Group Exhibition, Pigment Gallery, Paris, France (2021)

Art Fairs

London Art Fair, Gallery B·R, London, UK (2025)

Enter Art Fair, Alzueta Gallery, Copenhagen, Denmark (2024)

Estampa Art Fair, Alzueta Gallery, Madrid, Spain (2023)

Art Paris, Alzueta Gallery, Grand Palais Éphémère, Paris, France (2022)

JustLX, Alzueta Gallery, Lisbon, Portugal (2022)

Estampie Art Fair, Alzueta Gallery, Madrid, Spain (2022)

ISIDRE ENRICH

Solo Exhibition

Alzueta Gallery, Barcelona, Spain (2022)

Floralia Exhibition

Alzueta Gallery, Barcelona, Spain (2022)

Group Exhibition

Duo Exhibition, Alzueta Gallery, Barcelona, Spain (2025)

Solo Exhibition

Private Walls Gallery, Sint-Martens-Latem, Belgium (2024)

Group Exhibition

Private Walls Gallery, Knokke (2025) Art Fair in Brussels (2025)

Temporal Layers

Current Exhibition
Opening 19th March

“Time is not something we pass through—it is what shapes us, breaks us, and remakes us, endlessly.”

Estudio Laterna presents Temporal Layers, an exhibition that explores time and beauty not as fixed entities, but as forces in flux—accumulating, eroding, transforming. Like sedimentary layers, they mark our existence, inscribing traces that persist even as they fade.

Three photographers confront the impermanence of being through their distinct yet intertwined perspectives. Their works do not offer conclusions; rather, they invite contemplation of time’s ceaseless rhythm—moments dissolving as they are lived, vestiges lingering long after presence has passed.

An installation slowly decomposes over time, embodying the cyclical tension between decay and renewal. Just as a photograph captures an instant while hinting at its vanishing, the installation reflects the paradox of beauty, time, or existence: that which disappears is not lost, but transfigured.

Miguel Soler-Roig

Miguel Soler Roig’s work operates at the intersection of memory and constructed reality, where photography becomes a vessel for time’s erosion and reinvention. Trained at the Basel School of Design and the Rhode Island School of Design, his practice is shaped by a conceptual rigor that merges narrative with aesthetic precision.

His series La Ruina del Recuerdo documents his return to his childhood home in Barcelona after three decades—an introspective excavation of personal history, where architecture and recollection collapse into one another. Exhibited across three continents, Soler Roig’s images evoke a liminal space where the past is not simply remembered but actively reconstructed, lingering as both presence and trace. His work, shown at institutions such as the RISD Museum and PhotoEspaña, does not seek to document reality as it is but rather as it is felt—fragmented, elusive, and in perpetual transformation.

Houshyar Kashani

Houshyar Kashani’s black-and-white analogue photography resists the pull of the present, existing instead in a realm where time is both suspended and inscribed. Iranian-American by origin, Kashani’s artistic journey began in New York’s contemporary art scene, where he first engaged with images as a collector before turning to the act of creation itself.

A self-taught photographer, his practice was shaped under the mentorship of Larry Shaw, son of the renowned Sam Shaw, yet it remains deeply intuitive. Exhibited internationally since 2001, including at Les Rencontres d’Arles, Kashani’s work bears the meticulous imprint of a hand that understands photography not as documentation, but as an act of excavation: a search for what endures in the slow erosion of time.

Emile Durrer-Gasse

Emile Durrer-Gasse’s photography is an exercise in attunement to the ephemeral. Raised in Ibiza, his images are steeped in the island’s quiet luminosity, where time moves not in measured increments but in the slow dissolution of moments. With a background shaped by anthropology and travel, his sensibility is drawn to the fluid intersection of place, memory, and impermanence.

Working exclusively with analogue film, he embraces the medium’s unpredictability, allowing light, grain, and imperfection to dictate the final imprint. His images embrace photography’s paradox—its ability to preserve what is already slipping away, to render nostalgia not only as sentiment, but as an aesthetic and philosophical condition.

Martina Moscariello and Aurea Floral Studio

Martina Moscariello’s work explores the tension between materiality and transformation, turning discarded elements into new forms. Trained in screen printing in Paris, she later expanded into costume and set design, crafting entire visual worlds from recycled materials. Now based in Ibiza, her practice embraces organic processes, from botanical dyes to fiber manipulation. For Temporal Layers, her installation, in collaboration with Aurea Floral Studio, extends this dialogue—blurring the line between decay and regeneration.

A Meditation on the Ephemeral

We can examine beauty as a phenomenon that surpasses aesthetics. It is not an object to be possessed but an event—an unfolding that draws us into the mystery of being. Beauty, in this sense, is a threshold: a moment of recognition where time, memory, and perception converge.

This exhibition extends this inquiry into the realm of photography. The act of capturing an image is both an assertion against time and a surrender to it. A photograph crystallizes a fleeting instant, yet its existence is already a relic of something lost. In the same way, memory functions as both a refuge and an illusion—never fixed, never whole, but constantly rewritten in the mind’s ceaseless recursion.

The photographs in this exhibition exist beyond fixed chronology, resisting the imprint of time’s linear passage. There are no clear markers of when they were taken, nor by whom—only a quiet persistence of essence, where the ephemeral and the immutable converge, distilling time into a state of perpetual presence. In dialogue with this idea, Martina Moscariello’s installation, created in collaboration with Áurea Floral Studio, introduces a physical manifestation of this transience: its gradual transformation over time mirrors the elusive nature of memory and the fleeting quality of the moment.

“Beauty is not merely what pleases the eye; it is what reveals the hidden depths of existence. It is the quiet invitation to see beyond surfaces, to experience the infinite within the fleeting.”

Folds in Time, Miguel Soler-Roig

Arita 2, Houshyar Kashani

Swimming in Space, Emile Durrer-Gasse

Carlito Dalceggio

Past Exhibition – May/October 2024

 

As one approaches Estudio Laterna, one’s eye is first caught by the golden lilt of the swaying grasses and a tender symphony of sound. The gentle breeze guides the mind and body into and through the garden to the first work in Carlito Dalceggio’s triumphal exhibition, “Tierra Desnuda ”.

A metal cut out of an abstracted figure stands stoically in the centre of the bucolic space. The tenacity of the material contrasted by the surrounding soft figs dripping from their years old branches. A dove rests on his head, wings outstretched, ready to guide the visitor into the gallery itself in its pleasant and peaceful ways. Dalceggio was born in Canada, though has long been a citizen of the world. His work is often inspired and materialised through mythic & symbolic narratives; this becoming increasingly evident as one moves through the exhibition.

Almost all of the work in the series has been made in Ibiza. The colours he employs speak to this truth; ochre reds reminiscent of the rich iron soil, golds harking to the warm evening glow, tones of aquamarine to reflect the moving waters over varying depths in endless coves and caves. This oceanic reminder prevails beyond the work itself; the walls move with a tide-like quality created through a traditional Ibizenco way of plastering and layering. The work is in a constant successful conversation
with its spatial context – elevating both entities. This very notion is indicative of the exhibition’s narrative and the philosophy of Estudio Laterna – we must cultivate symbiosis in our relationships and our societies to elevate each other to a higher level than we could have reached alone. Dalceggio describes the style of his work as “Primitive Futurism”. The word primitive has come to be understood in modern society as an unpleasant description of something ‘lesser’. However, it is my understanding, which has been reinforced by this exhibition, that to Estudio Laterna x SmithVaitiare return to simpler ways is not always a step backwards – but often the most effective way to move forward. Taking advice from the past, such as the stylistic inspiration Carlito has taken from Matisse and Picasso, can structurally inform new ways of communicating in the now, and in the future.

Dalceggio’s work ultimately seeks to propose a new way, a more peaceful and positive future for mankind. He does this not only through the pure aesthetic joy his work conveys, but through the use of universal archetypes that we can relate to on a basic human level – the sun, the moon, the freedom of a bird’s flight, the conversation between man and nature.

In this way, the exhibition speaks for itself. It is nurturing, it holds the soul and frees the mind.

Eduardo Chillida Belzunce

Opening 4th October – 8pm

“Light is what, with its shadows, becomes my true teacher. “Light and the loss of fear of colors are the painter’s best friends.”

Eduardo has been solving paintings for a long time, immersed in that exciting adventure that produces miracles granted by the desire and need to express things. In his studio there is rest, classical balance, and everything happens in its own time just as the light changes according to the hours of the day. Because Edu needs daylight to paint, that light that becomes the main protagonist of his works; “vigorous and pregnant with shadows”, radiant and spontaneous in its amplitude. The light in his painting is always accompanied by color, blue above all because the life of this painter “is full of blue”, of the sky and the sea seen from “Intzenea”, the family house in Igeldo on the way to the lighthouse, San Sebastian.
He analyzes light from the “inside”, how it floods or invades the interiors of his studio and his house, or in the objects he touches or caresses.

In 1985 Eduardo had a terrible motorcycle accident that caused him to remain in a coma for a month and a half. Against all medical predictions, Eduardo manages to get out of that dark tunnel, recover his speech, walk, and finally, with great effort, return to normal life. Due to the paralysis on one side that he suffered after the accident, he is forced to use his left hand to continue painting.

“If I can’t sculpt I paint, if I can’t use my right hand I use my left; “art goes more in the head than in the hands”

Eduardo builds the painting. First he prepares it, because the emptiness, the white color of the fabric and the absence of paint bother him; Cover with acrylic, paint abstract shapes and surround them with a dark, black or blue halo. Then he draws, with black oil, long lines and slow movement, fits the composition and looks for perspective. Finally, he puts paint over all of the above but “it only covers where it needs to be covered” on the outside of the painting, since if we stare at the canvases we see that the color is behind, hidden and hidden, contained. He knows how to put color even in the shadows, he is capable of creating a polychrome black.

And he always does it in a direct way and without networks, on a space full of detonating acrylic colors that serve as the first primer and support for everything that he subsequently draws, fills and shapes, in a process of concealment and subtraction. Sometimes warmer oil colors, and other times with colder and more sober ones. These are their Orígenes and will be exhibited for the first time in public in the next exhibition in the Estudio Laterna gallery curated by Andrea Sánchez.

And although it seems that he always paints the same and unique picture, his intersected worldview and his multifaceted visions of his Intz-Enea house or any other space that falls before his frontal gaze, continue to teach us that the interior space is as rich and complex as the exterior, and that internal journeys are always more absorbing and magical than the mere variations of the landscape, figures and things. Vermeer and Bacon already experienced it this way at different times.

Like the painters assigned to the New Figurations and realisms of the 70-80s, he is interested in the personal and biographical story, the story of the spaces, the lights, the people and the things that motivate him and matter to him: his house and its different spaces, his work studio, his own image as a painter and the landscapes he observes from the windows of his house.

But, in this kind of “emotional self-portrait”, linked to the expressionist tradition, other issues also appear, such as “virtual spaces” that open from some first spaces, paintings within paintings, windows and mirrors, openings of an “expansive vision.” They are “spaces that enclose other spaces, like a set of Russian dolls or Chinese boxes.”

In his sculptures the metaphysical surrounds everything and even creates a pre-humanist sensation. The bodies are without clothes, not naked, because magic and ritual may not need them and because corporeality is thus more manifest.

Enric Majoral

Permanent Exhibition

At the beginning of the 70s Enric Majoral discovered Formentera and said to himself: well, I’m going to stay this summer’ Since that small workshop in El Pilar de la Mola, greatly influenced by the island and the sea, until today, Enric Majoral has received the National Crafts Award (2007), named Master Goldsmith by the Generalitat of Catalonia. The brand has also received international recognition with the Design Gold Couture Award and the Design Silver Couture Award in Las Vegas. In addition, it has a permanent collection at the Museum of Arts and Design in New York. At Estudio Laterna we are honored to have a unique collection of his Objectes de Bronze. Being in front of a work by Enric Majoral is an experience that invites you to contemplate the lucidity of a unique creation. The ancestral Mediterranean culture, and the island of Formentera in particular, are at the base of his creative universe.

Arturo Berned

Past exhibition

ARTURO BERNED is an architect and sculptor artist whose work is based upon the reinterpretation of both shapes and space, through a geometric language. Mathematics, the Euclidean space, and the Golden Ratio are geometric tools he uses as the means to understand the world around us; the physical world and the world of the senses. Corten steel is the material with which he produces most of his sculptures.


In Estudio Laterna we are pleased of exhibiting the Series “3 Daughters”,
Corten Steel, 180cm height, 200kg each.

Phenomena

Past Exhibition – December 2023/May 2024

Exhibition curated by Andrea Sánchez, featuring artists: Jai Vasicek, Danchú, Irene Cattaneo,
Javier Riera, Arturo Berned, Richard Hudson and Enric Majoral.
Curated by Andrea Sanchez, Phenomena exhibition translated the spirit of Estudio Laterna,
pushing boundaries beyond architecture and landscaping, connecting nature and its realms,
speaking the ever evolving language of the more-than-human. A nest of art in the heart of Ibiza island, manifesting a new perspective for local communities and international artists.
Date: December 2023/May 2024.
Phenomena
Estudio Laterna brought together different artists around the theme “Phenomena”, a project that through art awakens our understanding of ourselves and the universe.
The term “Phenomena” comes from the Greek φαινόμενoν, which means appearance or manifestation. When we speak of a Phenomena, we do not speak of the things themselves, but of how they appear to our understanding.
It is what Immannuel Kant considered as “the object of sensible experience” in “Critique of Pure Reason” (1781) and what the philosopher Edmund Husserl deepened with “the phenomenology” in the early 20th century.
On the other hand, Art is capable of capturing life and connects us with the source of our existence. If we look at the Art of ancient cultures, we observe how they experience being connected to everything: “… to think (…) things is to live in communion with them, to observe the images in order to enjoy and to see united the representations that are transported to human consciousness…” (“Mayan philosophy” , Miguel Hernández Díaz, p. 30 of the book “Latin American Philosophical Thought”, E. Dussel, E. Mendieta, C. Bohórquez, 2009).
Phenomena, curated by Andrea Sanchez, recovered this relationship between human experience and Art, and invited both creators and spectators to pay attention to how we observe in order to also see how they appear to us. It invited us to suspend our habitual way of reading the world, to wake up from our conditioning to constantly rediscover the phenomenon, to give it its voice and discover ourselves capable of seeing what has always been there… the whole universe in us.
Dr. Catherine del Carmen Alarcón Vásquez.
PhD in Education and Society from the University of Barcelona,

Landscape of the sun

Past Exhibition – May/December 2023

Exhibition curated by Andrea Sánchez in collaboration with Alex Flick, featuring artists: Alex Flick, Manuel Mathieu, Ina Gerken, Christopher Page, Nicholas Pope and Vivian Suter.
Fecha/Date: May/December 2023.

The exhibition and its canvases draw on a long history of painting – from ancient Roman frescoes 20th century Minimalism – in order to think through our contemporary visual paradigm that is dominated by screens.
Works demonstrate emotion through the visual exchange between line, form, and color to achieve harmony. Precise lines filled with power and ferocity, this guide the viewer’s experience as displays of energy. Paintings are an inquiring amalgam of figuration underpinned by abstraction, with something of the intensity of the indefinite forms that Francis Bacon is most celebrated for.
Collectively, we founded this sculpture attempt to articulate the (in)capabilities of the body. It
asked big questions about fundamental topics. What is faith? Can art play an ameliorative role in a moment of ill health? What does it mean for an object to stand in for an absent subject?
Some of the featured artists began to actively make use of local natural elements and materials in their paintings, including volcanic rock, soot, rainforest flora, rainwater, and microorganisms. This approach saw an acceptance of the power of nature and the environment. Each canvas was part of Estudio Laterna’s far-reaching ecosystem, a network of compositions that visually and physically display the abstracted story of their creation.

Estudio Laterna is an interdisciplinary design space based in Ibiza that integrates landscape architecture with a strong artistic approach. The studio was founded in 2004 by Andrea Sánchez and Ricardo Jarpa. The landscape architectural designs are led by Andrea with a team of landscape architects, biologists and artists. The application of the designs is directed by Ricardo with a team of professional gardeners and artisans. Together they create an alternative form of landscape architectural practice that unites design and exploration, pushing boundaries, connecting nature and its realms, speaking the ever evolving language of the more-than-human. This intertwining was the leitmotif that also inspired them to create Estudio Laterna Art Gallery, a nest of art in the heart of Ibiza island, manifesting a new perspective for local communities and international artists. Estudio Laterna is also developing other creative projects such as Kossmun, an experimental outdoor furniture brand.

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Estudio Laterna es un espacio de diseño interdisciplinar establecido en Ibiza que integra la arquitectura del paisaje con un intenso abordaje artístico. Fundado en 2004 por Andrea Sánchez y Ricardo Jarpa. Todos los diseños de paisajismo son liderados por Andrea junto a un equipo de arquitectos paisajistas, biólogos y artistas. La aplicación de los diseños es dirigida por Ricardo con un equipo profesional de jardineros y artesanos. Ellos crean una forma alternativa de Arquitectura del paisaje que une diseño y exploration, atravesando fronteras, conectando la naturaleza y sus reinos, hablando el idioma siempre evolutivo de lo mas-que-humano. Ésta interconexión los inspiró para crear Estudio Laterna Gallery, un refugio de arte en el corazón de la isla de Ibiza, manifestando una nueva perspectiva para la comunidad local y artistas internacionales. Desarrolla otros proyectos creativos como Kossmun, un mobiliario experimental para exteriores.

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Enrich³

En un estudio en Igualada —una ciudad catalana marcada por su pasado industrial y una reinvención silenciosa— se ha formado una constelación artística. Un padre, Ramon Enrich, y sus dos hijos, Enrich.R e Isidre Enrich. Sus prácticas son distintas, sus voces independientes, pero unidas por un ritmo más profundo: una herencia visual construida a través de la presencia, la repetición y el tiempo compartido.

Cuando Ramon pintaba, sus hijos observaban. Dos sillas pequeñas, diseñadas por él, se colocaban junto al caballete. No estaban ahí por comodidad, sino por atención. Para aprender a ver el estudio como un espacio de quietud y estructura, un lugar donde un pensamiento podía desarrollarse sin prisa, sin exigencia. De esa cercanía no nació un método, sino una forma de estar: una que valora la duda, el silencio y la disciplina de mirar.

Esta exposición, curada por Luis Galliussi, recoge el resultado de esa proximidad. Las obras no se imitan entre sí. Resuenan. Cada artista avanza con autonomía, pero dentro de una atmósfera compartida —modelada por el barrio del Rec en Igualada: un lugar de antiguas tenerías, canales de agua y huellas industriales. La textura de ese entorno —sus superficies desgastadas, sus bordes suaves— aparece una y otra vez en sus trabajos. Juntos, forman una especie de tríada familiar: elemental, rigurosa y profundamente quieta.

Ramon Enrich

La obra de Ramon Enrich se sitúa en ese umbral donde mirar y percibir trastocan la lógica.

Los elementos arquitectónicos operan como vehículo expresivo para explorar la pintura desde la emoción.

El valor simbólico de sus formas, combinadas con intención narrativa, plantea un enigma que estimula al espectador y lo guía hacia territorios ambiguos, donde la sensación prevalece y las interpretaciones escapan a toda linealidad.

Escenarios esenciales, cargados de sofisticación y arraigo, dialogan con el tiempo y su paso, con lo actual y lo ancestral, con lo funcional y lo esencial.

Pequeñas construcciones impregnadas de materia revelan un universo en el que lo bello se presenta como algo enigmático y tangible. Ambientes silenciosos y cubiertos de polvo evocan un Mediterráneo abrasado por la luz.

Sus esculturas laten en ciclos lentos, circulares, mientras contienen ese gesto mínimo capaz de activar lo inerte desde una hipnosis contenida. Son dibujos suspendidos en el aire, abstracciones que flotan con levedad, desprendiendo intensidad.

En sus lienzos, la pintura se convierte en materia, color, vibración y ritmo; desafía toda lógica estructural mediante la ilusión de lo pictórico, como si todo respondiera a una puesta en escena íntima y reveladora.

Cada imagen parece capturar el instante previo a la desaparición. Una visión del paisaje que se sitúa más cerca del pulso interno que de la razón.

El color no se limita a ser tonalidad: se vuelve sustancia. Y la pintura, lejos de ser mera superficie, se comporta como una forma de edificación. Enrich lo concibe todo desde dentro hacia fuera, proyectando lo esencial más allá de los márgenes.

Sus composiciones habitan lo contemporáneo con una claridad serena, pero su complejidad estructural y simbólica revela un pensamiento profundo que nos conduce a espacios inéditos que, sin embargo, sentimos propios.

Enrich. R

A partir de una nueva abstracción, los intentos de explicar una obra acaban convirtiéndose en su propia limitación. En la pintura, descubrir la energía escondida implica comprender un poco más y, al mismo tiempo, romper esa comprensión para ir más lejos. Incluso sin entender del todo, las imágenes y la poesía nos acercan —y nos alejan— de lo bello, lo bueno, lo verdadero, de una forma inexplicable.

Ese misterio que no logramos desvelar del todo es la materia con la que se construyen las imágenes. Siempre aparece algo nuevo dentro de la indefinición, huyendo de los riesgos del formalismo y explorando la lógica interna de las cosas. Las explicaciones, muchas veces, son una ficción para sentirnos seguros y creer que lo entendemos todo.

Simbolizar el mundo interior a través del exterior no sigue una única dirección. No hay un solo origen ni un destino claro. Lo que impulsa a Enrich.R es una intuición poética: la certeza de que detrás de cada metáfora hay algo más que una simple sustitución de la realidad. Ese ha sido siempre el principio que sostiene su obra, en sintonía con la claridad radical de Brancusi, Flavin o Long, cuya simplicidad se convierte, paradójicamente, en un lenguaje creativo cada vez más difícil de ejercer. Así es el recorrido de Enrich.R: una búsqueda constante de la expresión propia del paisaje vivido.

Simplicidad, fugacidad, formas asimétricas: en su pintura, estos elementos adquieren una tensión silenciosa. Evita la superficie y se adentra en lo que está debajo. Fondos que se evaporan, colores que se diluyen, caminos que se desdibujan. Formas orgánicas que pierden su rastro y nos conducen, sin insistencia, hacia el vacío.

Como las manchas de agua que se secan al sol en un muro, cada cuadro sigue su propio recorrido. Cada idea deja una huella tenue, y todas juntas forman una lógica silenciosa.

De cuadro en cuadro, Enrich.R traza las letras de su códigoI

Isidre Enrich

Una flor en el centro del lienzo.

Ese es el punto de partida para Isidre Enrich. Un gesto que puede parecer sencillo, pero que contiene una carga silenciosa. Con el tiempo, se convierte en una forma de reflexión: sobre lo efímero, sobre la belleza, sobre el paso del tiempo. La flor trasciende su forma; deja de ser un símbolo para convertirse en una energía suspendida.

Cada obra busca una nueva atmósfera. Las variaciones de color, estructura y ritmo generan cambios sutiles en la sensación. La imagen es siempre reconocible, pero nunca repetida. Cambia — a veces erguida, a veces inclinada, a veces desvaneciéndose hacia el borde. Lo que permanece es una actitud de atención, de tiempo contenido con delicadeza.

El concepto de vanitas atraviesa su pintura, no como iconografía explícita, sino como clima. Una conciencia serena de que todo es pasajero, y que allí —en esa condición— también habita la belleza. Isidre no pinta flores en el sentido tradicional. Pinta momentos: abstractos, densos, marcados por la emoción del instante.

Sus obras más recientes revelan un orden visual poco común, trabajado con disciplina y sensibilidad. Cada composición mantiene un equilibrio entre estructura y gesto, entre precisión formal y vulnerabilidad expresiva. Lo que emerge es un lenguaje propio —mínimo, emocional, exacto.

Detrás de la aparente simplicidad hay una claridad extraordinaria. Un equilibrio entre fragilidad y forma, sostenido un instante, y luego dejado ir.

El Rec: Un archivo vivo

En el corazón de Igualada, más allá del trazado urbano, se extiende El Rec — un barrio marcado por la memoria, la materia y una forma de resistencia silenciosa. Antiguo pulmón industrial de la ciudad, El Rec surgió en la Edad Media alrededor de un canal artificial que desviaba el agua del río Anoia, sosteniendo durante siglos la próspera industria del curtido. Con el tiempo, el vecindario se transformó en una red densa de fábricas, almacenes y talleres familiares, dando lugar a una topografía única moldeada por el cuero, el trabajo y el agua.

Aún hoy se percibe el sedimento del tiempo: en las puertas de hierro oxidado, en el olor a piedra antigua, en la luz que se filtra entre edificios medio vacíos. Es un lugar donde la decadencia y la dignidad conviven.

Para la familia Enrich, El Rec no es solo un contexto, sino una fuente profunda de materia estética y emocional. Es donde viven, caminan y trabajan. Ramon Enrich, junto con sus hijos Enrich R e Isidre, absorbe las texturas visuales y simbólicas del barrio —sus muros superpuestos, sus sombras geométricas, su atracción metafísica y contenida. El Rec ofrece un modelo de imperfección y persistencia, de tiempo plegado dentro de la estructura. Su poesía postindustrial resuena en las construcciones y los silencios de su obra.

En las dos últimas décadas, este distrito ha experimentado una transformación pausada. Artistas, diseñadores y mentes locales han vuelto a habitar sus espacios olvidados, creando un nuevo lenguaje de continuidad y experimentación. Pero El Rec nunca se entrega del todo —permanece atmosférico, inacabado, más sentido que entendido.

En el contexto de esta exposición, El Rec es tanto telón de fondo como colaborador. Un paisaje de memoria material que da vida a la arquitectura emocional de los Enrich.

Luis Galliussi

Enrich³

Mi historia con ellos

“If I could say it in words, there would be no reason to paint.”

Esta frase se atribuye a un artista conocido por sus escenas solitarias y atmósferas introspectivas…

Tampoco para mí es posible expresar con palabras lo que sentí al encontrarme, un día,

con Ramon hijo,y luego con Isidre, y finalmente con Ramon padre.

A partir de esos días, mi puzzle emocional me llevó a detenerme en cada uno de ellos, en la impecable —aunque diferente— ejecución de cada uno, y en la mugre estética, llena de exquisita belleza, de sus talleres de trabajo en Igualada, Cataluña.

Ramon padre y sus dos hijos, Ramon e Isidre, juntos por primera vez: esa fue mi grandísima motivación.

Una sangre creativa que corre con conflictos, con dudas, y también con el orgullo de saber que almas viejas —que no coinciden con las edades biológicas— pueden mirarse y acompañarse, dejando en secreto lo que nunca sabremos, pero que sí podemos sentir cuando nos acercamos a sus obras.

Por eso los visité. Charlamos mucho. Fueron muy generosos, cada uno a su manera, al invitarme y dejarme entrar en sus universos, en sus lugares de trabajo —lugares que, sin ellos, no estarían completos como artistas.

La emoción que aún conservo intacta de aquel día en Madrid, donde unos zapatos llenos de manchas de pintura fueron la mejor gasolina que me empujó, sin dudarlo, a traer a Enrich³ a mi adorada isla de Ibiza.

Mezclarlos en un escenario como Estudio Laterna —que es perfecto porque no es solo una galería de arte, sino un universo, un espacio, un estudio donde suceden cosas. Cosas relacionadas con la vida —esta vez, la vida artística, y en familia.

Enrich³ a través de mis ojos… es solo lo que puedo decir.”

Luis Galliussi, Curador de Experiencia

Verano de 2025

RAMON ENRICH

Education

1985–1990 – École des Beaux-Arts, Barcelona

1987–1989 – Art History, University of Barcelona

1987 – École des Beaux-Arts, Paris (Erasmus)

1988–1990 – Graphic Arts, Gremi d’Arts Gràfiques de Catalunya, Barcelona

1990 – Universität der Künste, Berlin

Solo Exhibitions

2025 – Architectura e Utopia, Cadogan Gallery, Milan (Italy)

2024 – Solo show, RKFA Gallery, Singapore

2024 – Solo show, Cadogan Gallery, London (UK)

2024 – Solo show, Leonet Hoang, Brussels (Belgium)

2024 – Solo show, Amelie Maison d’Art, New York (USA)

2023 – Solo show, Artborescence Gallery, Paris (France)

2023 – Solo show, Amelie Maison d’Art, Paris (France)

2023 – Solo show, Antonia Jannone Art Gallery, Milan (Italy)

2020 – Solo show, Antonia Jannone Gallery, Milan (Italy)

2016 – Espai Volart, Fundació Vila Casas, Barcelona (Spain)

2013 – Donath Gallery, Troisdorf (Germany)

2012 – Al Bahu Space, Abu Dhabi (United Arab Emirates)

2012 – Club Montecarlo, Dubai (United Arab Emirates)

2012 – Kamila Regent Gallery, Saignon (France)

2010 – Sant Andreu de Llavaneres Archive Museum, Barcelona (Spain)

2009 – Galerie María José Castellví, Barcelona (Spain)

2007 – Carmen Terreros Gallery, Zaragoza (Spain)

2007 – Baltazar Gallery, Brussels (Belgium)

2003 – Arcturus Gallery, Paris (France)

2003 – Hof & Huyser Gallery, Amsterdam (Netherlands)

2003 – Galeria María Llanos, Lisbon (Portugal)

2002 – Hof & Huyser Gallery, Amsterdam (Netherlands)

2002 – Galeria María Llanos, Lisbon (Portugal)

2001 – Llucià Homs Gallery, Barcelona (Spain)

2001 – Ignacio de Lassaletta Gallery, Barcelona (Spain)

2001 – La Tour des Cardinaux Gallery, Marseille (France)

2000 – Zeitz Museum, Zeitz (Germany)

2000 – Serrahima Gallery, Barcelona (Spain)

2000 – Martini Gallery, Hong Kong (China)

2000 – Maison de la Catalogne, Paris (France)

2000 – Donath Gallery, Troisdorf (Germany)

2000 – Baltazar Gallery, Brussels (Belgium)

1999 – Kölmann Gallery, Wiesbaden (Germany)

1999 – Baltazar Gallery, Brussels (Belgium)

1999 – Pfundt Gallery, Berlin (Germany)

1998 – Museum of Modern Art, Mittelhof (Germany)

1997 – Donath Gallery, Troisdorf (Germany)

1996 – Giessen Museum, Giessen (Germany)

1995 – Trece Gallery, Ventalló (Spain)

1995 – Art Sud Gallery, Toulouse (France)

1995 – Ikeda Gallery, New York (USA)

1994 – Künstlerhaus Mousonturm, Frankfurt (Germany)

1993 – Marburg Museum, Marburg (Germany)

1993 – Art Sud Gallery, Tolosa (Spain)

1992 – Galeria 22, Igualada (Spain)

Selected Group Exhibitions

2024 – El Cuerpo del Silencio, Fundación Valentín de Madariaga, Seville (Spain)

2022 – Recent Artworks, Paris (France)

2022 – Art Paris (France)

2018 – Pigment Gallery, KIAF 2018 ART SEOUL, Seoul (South Korea)

2015 – Espai Volart, Fundació Vila Casas, Barcelona (Spain)

2014 – Design Academy, Berlin (Germany)

2014 – Sylt Gallery, Sylt (Germany)

2014 – Art Genève (Switzerland)

2013 – Paper World, Frankfurt (Germany)

2013 – Kd Kunst, Vollersode (Germany)

2013 – Robert & Tilton, Los Angeles (USA)

2012 – Melbourne Art Trade, Melbourne (Australia)

2011 – Design Academy, Berlin (Germany)

2011 – Sylt Gallery, Sylt (Germany)

2011 – Art Genève (Switzerland)

2010 – Art-Kunts Wien, Vienna (Austria)

2010 – Art Rotterdam (Netherlands)

2009 – Sylt Gallery, Sylt (Germany)

2009 – Art Genève (Switzerland)

2008 – Art-Kunts Wien, Vienna (Austria)

2008 – Art Rotterdam (Netherlands)

2007 – Design Raum, Bonn (Germany)

2007 – Art International, Zurich (Switzerland)

2007 – Miquel Alzueta Gallery, Barcelona (Spain)

2006 – Hof & Huyser Gallery, Amsterdam (Netherlands)

2006 – Il Polittico Gallery, Rome (Italy)

2005 – Jorge Alcolea Gallery, Madrid (Spain)

2005 – Kamila Regent Gallery, Saignon (France)

2005 – Carmen Terreros Gallery, Zaragoza (Spain)

2005 – Maison Kregg, Brussels (Belgium)

2005 – Sala Parés, Barcelona (Spain)

2005 – Gallery 22, Igualada (Spain)

2004 – Baltazar Gallery, Brussels (Belgium)

2004 – Jorge Alcolea Gallery, Madrid (Spain)

2004 – Art Sud Gallery, Tolosa (Spain)

2003 – Espai 21, Cambrils (Spain)

2000 – Von Lintel & Nusser Gallery, Munich (Germany)

1999 – Rare Art Properties, New York (USA)

1998 – Mason Gallery, San Antonio (USA)

1996 – Art Frankfurt, Frankfurt (Germany)

1996 – Künstlerhaus Mousonturm, Frankfurt (Germany)

1994 – Art Frankfurt, Frankfurt (Germany)

Collections

Banco Santander Collection, Madrid (Spain)

Fundació Vila Casas, Barcelona (Spain)

Barcelona City Council Collection (Spain)

Fundación Coca-Cola, Madrid (Spain)

Deutsche Bank Collection, Frankfurt am Main (Germany)

David Hockney Private Collection, Los Angeles (USA)

Donald Judd Private Collection, Marfa, Texas (USA)

Norman Foster Private Collection, London (United Kingdom)

ENRICH.R

Solo Exhibitions

Abstract Poems, Alzueta Gallery, Barcelona, Spain (2025)

Abstract Problems, Circle Culture Gallery, Berlin, Germany (2025)

Solo Exhibition, Palau de Casavells, Casavells, Spain (2024)

Month by Month, Galerie Ground, Brooklyn, New York, USA (2024)

Hampstead Park, Alzueta Gallery, Madrid, Spain (2024)

Solo Exhibition, Ruby Atelier, Copenhagen, Denmark (2023)

Solo Exhibition, Palau de Casavells, Casavells, Spain (2022)

Abstract Path, Alzueta Gallery, Barcelona, Spain (2022)

Solo Exhibition, Gallery B·R, Tetbury, UK (2022)

Solo Exhibition, Tour of Stradivarius Meets Art, Online (2021)

Solo Exhibition, Jazminos, Bilbao, Spain (2020)

Selected Group Exhibitions

Marco. Límite y lugar, Alzueta Gallery, Madrid, Spain (2025)

What Abstract Art Means to Me, Alzueta Gallery, Barcelona, Spain (2024)

Annex Gallery, Sun Contemporary, Bali, Indonesia (2024)

Group Exhibition, Amelie Maison d’Art, Paris, France (2023)

La Terre est Bleue Comme une Orange, Alzueta Gallery, Madrid, Spain (2023)

By Invitation, Alzueta Gallery, Círculo Ecuestre, Barcelona, Spain (2022)

Álbum de Familia, Alzueta Gallery, Madrid, Spain (2022)

Group Exhibition, Pigment Gallery, Paris, France (2021)

Art Fairs

London Art Fair, Gallery B·R, London, UK (2025)

Enter Art Fair, Alzueta Gallery, Copenhagen, Denmark (2024)

Estampa Art Fair, Alzueta Gallery, Madrid, Spain (2023)

Art Paris, Alzueta Gallery, Grand Palais Éphémère, Paris, France (2022)

JustLX, Alzueta Gallery, Lisbon, Portugal (2022)

Estampie Art Fair, Alzueta Gallery, Madrid, Spain (2022)

ISIDRE ENRICH

Solo Exhibition

Alzueta Gallery, Barcelona, Spain (2022)

Floralia Exhibition

Alzueta Gallery, Barcelona, Spain (2022)

Group Exhibition

Duo Exhibition, Alzueta Gallery, Barcelona, Spain (2025)

Solo Exhibition

Private Walls Gallery, Sint-Martens-Latem, Belgium (2024)

Group Exhibition

Private Walls Gallery, Knokke (2025) Art Fair in Brussels (2025)

Temporal Layers

Exposición actual
Inauguración 19 de Marzo

“El tiempo no es algo que simplemente atravesamos; es lo que nos moldea, nos quiebra y nos reconstruye sin fin.”

Estudio Laterna presenta Temporal Layers, una exposición que explora el tiempo y la belleza no como entidades fijas, sino como fuerzas en transformación. Como estratos sedimentarios, dejan su huella en nuestra existencia, inscribiendo rastros que persisten incluso al desvanecerse.

Tres fotógrafos abordan la impermanencia desde perspectivas interconectadas. Sus obras no buscan respuestas, sino abrir una reflexión sobre el ritmo incesante del tiempo: instantes que se disuelven al ser vividos, vestigios que permanecen más allá de la presencia.

Una instalación viva encarna la tensión entre descomposición y renovación. Así como la fotografía captura un instante insinuando su desaparición, la instalación refleja la paradoja de la existencia: lo que desaparece no se pierde, sino que se transfigura.

Miguel Soler-Roig

El trabajo de Miguel Soler-Roig se sitúa en la intersección entre la memoria y la realidad construida, donde la fotografía se convierte en un vehículo para la reinvención del tiempo. Formado en la Basel School of Design y la Rhode Island School of Design, su práctica se caracteriza por un rigor conceptual que fusiona narrativa y precisión estética.

Su serie La Ruina del Recuerdo documenta su regreso a la casa de su infancia en Barcelona tras tres décadas, en un ejercicio de excavación introspectiva donde la arquitectura y la memoria colapsan una en la otra. Con exposiciones en tres continentes, su obra evoca un espacio liminal donde el pasado no solo se recuerda, sino que se reconstruye activamente, persistiendo como presencia y huella. Su trabajo, presentado en instituciones como el RISD Museum y PhotoEspaña, no busca documentar la realidad tal como es, sino tal como se siente—fragmentada, esquiva y en constante transformación.

Houshyar Kashani

La fotografía analógica en blanco y negro de Houshyar Kashani resiste el tirón del presente, existiendo en un espacio donde el tiempo se suspende y, a la vez, se inscribe. De origen iraní-estadounidense, su trayectoria artística comenzó en la escena del arte contemporáneo de Nueva York, donde primero se relacionó con la imagen como coleccionista antes de adentrarse en la creación.

Fotógrafo autodidacta, su práctica se forjó bajo la mentoría de Larry Shaw, hijo del renombrado Sam Shaw, aunque sigue siendo profundamente intuitiva. Exhibida internacionalmente desde 2001, incluyendo Les Rencontres d’Arles, su obra lleva la meticulosa huella de una mano que entiende la fotografía como un acto de excavación: una búsqueda de aquello que perdura en la lenta erosión del tiempo.

Emile Durrer-Gasse

La fotografía de Emile Durrer-Gasse es un ejercicio de sintonización con lo efímero. Criado en Ibiza, su trabajo está impregnado de la luz serena de la isla, donde el tiempo no avanza en intervalos medibles, sino en la lenta disolución de los instantes. Con una trayectoria influenciada por la antropología y los viajes, su sensibilidad se orienta hacia la intersección fluida entre lugar, memoria e impermanencia.

Trabajando exclusivamente con película analógica, abraza la imprevisibilidad del medio, permitiendo que la luz, el grano y la imperfección dicten la impronta final. Su obra asume la paradoja de la fotografía: preservar lo que ya se desvanece, convirtiendo la nostalgia no solo en un sentimiento, sino en una condición estética y filosófica.

Martina Moscariello y Aurea Floral Studio

El trabajo de Martina Moscariello explora la tensión entre materialidad y transformación, dando nueva forma a lo desechado. Formada en serigrafía en París, expandió su práctica al diseño de vestuario y escenografía, creando mundos visuales con materiales reciclados. Ahora en Ibiza, su obra abraza procesos orgánicos, desde tintes botánicos hasta manipulación de fibras. Para Temporal Layers, su instalación, en colaboración con Aurea Floral Studio, profundiza este diálogo, desdibujando los límites entre descomposición y regeneración.

Una Meditación sobre lo Efímero

Podemos entender la belleza como un fenómeno que trasciende lo estético. No es un objeto que se posee, sino un acontecimiento—una revelación que nos introduce en el misterio del ser. En este sentido, la belleza es un umbral: un instante de reconocimiento donde el tiempo, la memoria y la percepción convergen.

Esta exposición lleva esa reflexión al ámbito de la fotografía. Capturar una imagen es, a la vez, un acto de resistencia contra el tiempo y una entrega a su flujo. Una fotografía cristaliza un instante efímero, pero su existencia es ya el vestigio de algo perdido. De la misma manera, la memoria es refugio e ilusión a la vez—nunca fija, nunca completa, sino reescrita constantemente en la recurrencia infinita de la mente.

Las fotografías en esta exposición existen fuera de una cronología definida, desafiando la huella del tiempo lineal. No hay marcas precisas que indiquen cuándo fueron tomadas ni por quién, solo una persistencia silenciosa de la esencia, donde lo efímero y lo inmutable convergen, destilando el tiempo en un estado de presencia perpetua. En diálogo con esta idea, la instalación de Martina Moscariello, en colaboración con Áurea Floral Studio, introduce la dimensión física de ese tránsito: su lenta transformación material hace visible la naturaleza esquiva de la memoria y del instante.

“La belleza no es solo aquello que agrada a la vista, sino lo que revela las profundidades ocultas de la existencia. Es una invitación silenciosa a ver más allá de las superficies, a experimentar lo infinito dentro de lo fugaz.”

Folds in Time, Miguel Soler-Roig

Arita 2, Houshyar Kashani

Swimming in Space, Emile Durrer-Gasse

Carlito Dalceggio

Exposición pasada – Mayo/Octubre 2024

Cuando uno se acerca al Estudio Laterna, lo primero que llama la atención es el tono dorado de las hierbas que se balancean y una tierna sinfonía de sonido. La suave brisa guía la mente y el cuerpo hacia y a través del jardín hasta la primera obra de la exposición triunfal de Carlito Dalceggio, “Tierra Desnuda”.

Un metal recortado de una figura abstracta se alza estoicamente en el centro del espacio bucólico. La tenacidad del material contrasta con los suaves higos circundantes que gotean de sus ramas centenarias. Una paloma descansa sobre su cabeza, con las alas extendidas, dispuesta a guiar al visitante hacia el interior de la propia galería en sus agradables y tranquilos caminos. Dalceggio nació en Canadá, aunque desde hace mucho tiempo es ciudadano del mundo. Su trabajo a menudo se inspira y materializa a través de narrativas míticas y simbólicas; esto se vuelve cada vez más evidente a medida que uno avanza por la exposición.

Casi la totalidad del trabajo de la serie se ha realizado en Ibiza. Los colores que emplea hablan de esta verdad; Rojos ocres que recuerdan el rico suelo de hierro, dorados que recuerdan el cálido resplandor del atardecer, tonos aguamarina para reflejar el movimiento de las aguas en diferentes profundidades en infinitas calas y cuevas. Este recordatorio oceánico prevalece más allá de la obra misma; las paredes se mueven con una calidad de marea creada a través de una forma tradicional ibicenca de enlucir y colocar capas. El trabajo está en una constante conversación exitosa.
con su contexto espacial, elevando ambas entidades. Esta misma noción es indicativa de la narrativa de la exposición y la filosofía del Estudio Laterna: debemos cultivar la simbiosis en nuestras relaciones y nuestras sociedades para elevarnos unos a otros a un nivel más alto del que podríamos haber alcanzado solos. Dalceggio describe el estilo de su obra como “futurismo primitivo”. La palabra primitivo ha llegado a ser entendida en la sociedad moderna como una descripción desagradable de algo “menor”. Sin embargo, tengo entendido, que ha sido reforzado por esta exposición, que para Estudio Laterna x SmithVaitiare regresar a formas más simples no siempre es un paso atrás, sino que a menudo es la forma más efectiva de avanzar. Tomar consejos del pasado, como la inspiración estilística que Carlito ha tomado de Matisse y Picasso, puede informar estructuralmente nuevas formas de comunicación en el ahora y en el futuro.

La obra de Dalceggio busca en definitiva proponer un nuevo camino, un futuro más pacífico y positivo para la humanidad. Lo hace no sólo a través de la pura alegría estética que transmite su trabajo, sino también mediante el uso de arquetipos universales con los que podemos relacionarnos en un nivel humano básico: el sol, la luna, la libertad del vuelo de un pájaro, la conversación entre el hombre y naturaleza.

De esta manera, la exposición habla por sí sola. Es nutritivo, sostiene el alma y libera la mente.

Eduardo Chillida Belzunce

Opening 4 de Octubre – 20hs

“La luz es la que con sus sombras se hace mi verdadera maestra. La luz y la pérdida del miedo a los colores son los mejores amigos del pintor.”

Eduardo lleva mucho tiempo resolviendo cuadros, inmerso en esa aventura apasionante que produce
milagros concedidos por el deseo y la necesidad de expresar cosas. En su estudio hay reposo, equilibrio clásico, y cada cosa discurre a su tiempo lo mismo que la luz cambia según las horas del día. Porque Edu necesita la luz del día para pintar, esa luz que se convierte en la protagonista principal de sus obras; “vigorosa y preñada de sombras”, radiante y espontánea en su amplitud. La luz en su pintura siempre está acompañada por el color, el azul sobre todo porque la vida de este pintor “está llena de azul”, del cielo y del mar vistos desde “Intzenea”, la casa familiar en Igeldo camino del faro, San Sebastián. Él analiza la luz desde los “adentros”, como inunda o invade los interiores de su estudio y de su casa, o en los objetos que soba o acaricia.

En 1985 Eduardo tuvo un terrible accidente en moto que le hizo permanecer en coma un mes y medio.Contra todos los pronósticos médicos, Eduardo consigue salir de ese túnel oscuro, recuperar el habla, andar, y en fin, con mucho esfuerzo, incorporarse de nuevo a la vida normal. Por culpa de la parálisis de medio lado que sufrió tras el accidente se ve obligado a usar la mano izquierda para poder continuar con la pintura.

“si no puedo esculpir pinto, si no puedo usar la mano derecha uso la izquierda; el arte va mas en la cabeza
que en las manos”

Eduardo construye el cuadro. Primero lo prepara, porque le molesta el vacío, el color blanco de la tela y la ausencia de pintura; cubre con acrílico, pintas formas abstractas y las envuelve con una aureola oscura, negra o azul. Después dibuja, con óleo negro, líneas de trazo largo y movimiento lento, encaja la composición y busca la perspectiva. Finalmente, pone pintura sobre todo lo anterior pero “solo tapa donde hay que tapar”en la parte exterior del cuadro, ya que si clavamos los ojos en las telas vemos que el color está detrás, embozado y emboscado, contenido. Sabe poner color hasta en las sombras, es capaz de crear un negro polícromo.

Y lo hace además siempre de forma y manera directa y sin redes, sobre un espacio lleno de colores acrílicos detonantes que le sirven de primera imprimación y soporte de todo lo que posteriormente él dibuja, llena y plasma, en un proceso de ocultación y de resta, unas veces colores al óleo más calientes, y otras con mas fríos y sobrios. Estos son sus Orígenes y serán expuestos por primera vez en público en la próxima exhibición en la galería del Estudio Laterna curada por Andrea Sánchez.

Y aunque parece que siempre pinta un mismo y único cuadro, su cosmovisión interseccionada y sus
visiones poliédricas de su casa Intz-Enea o de cualquier otro espacio que caiga ante su frontal mirada,
siguen enseñándonos que el espacio interior es tan rico y complejo como el exterior, y que siempre los viajes internos son mas absorbentes y mágicos, que las meras variaciones del paisaje, las figuras y las cosas. Vermeer y Bacon ya lo experimentaron así en diversas épocas.

Como a los pintores adscritos a las Nuevas Figuraciones y realismos de la década de los 70-80, le interesa el relato personal y biográfico, el relato de los espacios, las luces, las personas y las cosas que a él le motivan y le importan: su casa y sus distintos espacios, su taller de trabajo, su propia imagen de pintor y los paisajes que observa desde las ventanas de su casa.

Pero, en esa especie de “autorretrato emocional”, ligado a la tradición expresionista, también aparecen otros asuntos, como son los “espacios virtuales” que se abren a partir de unos primeros espacios, cuadros dentro de cuadros, ventanas y espejos, aperturas de una “visión expansiva”. son “espacios que encierran otros espacios, como un juego de muñecas rusas o de cajas chinas”.

En sus esculturas lo metafísico lo envuelve todo y hasta crea una sensación prehumanista. Los cuerposestán sin ropa, no desnudos, porque la magia y el rito pueden no necesitarlos y porque la corporeidad queda así mas manifiesta.

Enric Majoral

Exposición Permanente

A comienzos de los años 70 Enric Majoral conoció Formentera y se dijo: bueno, me voy a quedar este verano’
Desde aquel pequeño taller en El Pilar de la Mola, muy influido por la isla y el mar, hasta hoy, Enric Majoral ha recibido el Premio Nacional de Artesanía (2007), nombrado Maestro orfebre por la Generalitat de Catalunya. La marca ha recibido igualmente el reconocimiento internacional con el Design Gold Couture Award y el Design Silver Couture Award de Las Vegas. Además, cuenta con una colección permanente en el Museum of Arts and Design de Nueva York.
En Estudio Laterna estamos honrados de contar con una colección permanente de sus Objectes de Bronze. Estar frente a una obra de Enric Majoral es una experiencia que invita a contemplar la lucidez de una creación única. La cultura mediterránea ancestral y la isla de Formentera en particular están en la base de su universo creativo.

Arturo Berned

Exposición pasada

ARTURO BERNED es un artista arquitecto y escultor cuyo trabajo se basa en la
Reinterpretación tanto de las formas como del espacio, a través de un lenguaje geométrico. Matemáticas, el espacio euclidiano y la proporción áurea son herramientas geométricas que utiliza como medio para comprender el mundo que nos rodea; el mundo físico y el mundo de los sentidos. corten el acero es el material con el que realiza la mayoría de sus esculturas.

En Estudio Laterna tenemos el placer de exhibir la Serie “3 Hijas”,
Acero corten, 180 cm de altura, 200 kg cada uno.

Phenomena

Exposición Pasada – Diciembre 2023/Mayo 2024

Curada por Andrea Sánchez, Phenomena traduce el espíritu de Estudio Laterna, ampliando los límites entre arquitectura y paisajismo, conectando con la naturaleza y sus reinos, hablando el idioma siempre en evolución de lo mas-que-humano. Un refugio de arte en el corazón de la isla de Ibiza, manifestando una nueva perspectiva para la comunidad local y los artistas internacionales.
Phenomena
Estudio Laterna reúne a diferentes artistas en torno al tema “Phenomena”, proyecto que a través del arte nos despierta el entendimiento sobre nosotros y el universo.
El término “Phenomena” viene del griego φαινόμενoν, que significa aparición o manifestación. Cuando hablamos de un Fenómeno, no hablamos de las cosas en sí, sino de
cómo aparecen a nuestro entendimiento.
Es lo que Immannuel Kant consideró como “el objeto de la experiencia sensible” en “Crítica de la Razón Pura” (1781) y lo que profundizó el filósofo Edmund Husserl con la
fenomenología de principios del siglo XX.
Por otra parte, el Arte es capaz de captar la vida y nos conecta con la fuente de nuestro existir. Si observamos el Arte de las culturas ancestrales, observamos cómo experimentan estar conectado con todo: “… pensar (…) cosas es vivir en comunión con ellas, observar las imágenes para gozar y ver
unir las representaciones que se transportan a la conciencia humana…” (Filosofía Maya, Miguel Hernández Díaz, pág. 30 del libro Pensamiento Filosófico Latinoamericano, E. Dussel, E. Mendieta, C. Bohórquez, 2009)
Phenomena, curada por Andrea Sánchez, recobra esta relación entre la experiencia humana
y el Arte, e invita tanto a creadores como espectadores a poner atención a cómo
observamos para también ver cómo se nos aparecen. Nos invita a que suspendamos la
manera habitual de leer el mundo, despertemos de nuestros condicionamientos para
redescubrir constantemente el fenómeno, darle su voz y con ello nos descubramos capaces
de ver lo que siempre estuvo ahí… todo el universo en nosotros.
Dr. Catherine del Carmen Alarcón Vásquez.
Doctora en Educación y Sociedad por la Universidad de Barcelona.

Landscape of the sun

Exposición Pasada – Mayo/Diciembre 2023

Exposición comisariada por Andrea Sánchez en colaboración con Alex Flick, con la participación de los artistas: Alex Flick, Manuel Mathieu, Ina Gerken, Christopher Page, Nicholas Pope y Vivian Suter.
Fecha/Fecha: Mayo/Diciembre 2023.

La exposición y sus lienzos se basan en una larga historia de la pintura, desde los antiguos frescos
romanos hasta el minimalismo del siglo XX, para reflexionar sobre nuestro paradigma visual
contemporáneo dominado por las pantallas.
Las obras demuestran emoción a través del intercambio visual entre línea, forma y color para lograr armonía. Líneas precisas llenas de poder y ferocidad, guían la experiencia del espectador como muestras de energía. Las pinturas son una inquisitiva amalgama de figuración sustentada en la abstracción, con algo de la intensidad de las formas indefinidas por las que Francis Bacon es más célebre. Colectivamente, fundamos este intento escultórico de articular las (in)capacidades del cuerpo. Planteó grandes preguntas sobre temas fundamentales. ¿Qué es la fe? ¿Puede el arte desempeñar un papel de mejora en un momento de mala salud? ¿Qué significa que un objeto sustituya a un sujeto ausente?
Algunos de los artistas destacados comenzaron a utilizar activamente elementos y materiales
naturales locales en sus pinturas, incluida roca volcánica, hollín, flora de la selva tropical, agua de
lluvia y microorganismos. Este enfoque supuso una aceptación del poder de la naturaleza y el
medio ambiente. Cada lienzo era parte del ecosistema de gran alcance de Estudio Laterna, una
red de composiciones que muestran visual y físicamente la historia abstracta de su creación.

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