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Adéntrate en la galería de arte de Estudio Laterna, un espacio inmersivo donde el arte trasciende los confines del lienzo para llenar los espacios de movimiento y expresión. Curada por Andrea Sánchez, nuestra galería te invita a dejarte llevar por el fascinante diálogo entre pinceladas y esculturas.

Visítanos y experimenta la intersección entre creatividad y deleite sensorial, donde cada obra invita a una reflexión y emoción más profundas.

EDUARDO CHILLIDA BELZUNCE
Exposición actual
Inauguración 4 de octubre

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CARLITO DALCEGGIO
Exposición pasada
Mayo/Octubre 2024

ENRIC MAJORAL
Exposición Permanente

ARTURO BERNED
Exposición pasada

PHENOMENA
Exposición pasada
Diciembre 2023 / Mayo 2024

LANDSCAPE OF THE SUN
Exposición pasada
Diciembre 2023 / Mayo 2024

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Galería de arte

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Carlito Dalceggio

Past Exhibition – May/October 2024

 

As one approaches Estudio Laterna, one’s eye is first caught by the golden lilt of the swaying grasses and a tender symphony of sound. The gentle breeze guides the mind and body into and through the garden to the first work in Carlito Dalceggio’s triumphal exhibition, “Tierra Desnuda ”.

A metal cut out of an abstracted figure stands stoically in the centre of the bucolic space. The tenacity of the material contrasted by the surrounding soft figs dripping from their years old branches. A dove rests on his head, wings outstretched, ready to guide the visitor into the gallery itself in its pleasant and peaceful ways. Dalceggio was born in Canada, though has long been a citizen of the world. His work is often inspired and materialised through mythic & symbolic narratives; this becoming increasingly evident as one moves through the exhibition.

Almost all of the work in the series has been made in Ibiza. The colours he employs speak to this truth; ochre reds reminiscent of the rich iron soil, golds harking to the warm evening glow, tones of aquamarine to reflect the moving waters over varying depths in endless coves and caves. This oceanic reminder prevails beyond the work itself; the walls move with a tide-like quality created through a traditional Ibizenco way of plastering and layering. The work is in a constant successful conversation
with its spatial context – elevating both entities. This very notion is indicative of the exhibition’s narrative and the philosophy of Estudio Laterna – we must cultivate symbiosis in our relationships and our societies to elevate each other to a higher level than we could have reached alone. Dalceggio describes the style of his work as “Primitive Futurism”. The word primitive has come to be understood in modern society as an unpleasant description of something ‘lesser’. However, it is my understanding, which has been reinforced by this exhibition, that to Estudio Laterna x SmithVaitiare return to simpler ways is not always a step backwards – but often the most effective way to move forward. Taking advice from the past, such as the stylistic inspiration Carlito has taken from Matisse and Picasso, can structurally inform new ways of communicating in the now, and in the future.

Dalceggio’s work ultimately seeks to propose a new way, a more peaceful and positive future for mankind. He does this not only through the pure aesthetic joy his work conveys, but through the use of universal archetypes that we can relate to on a basic human level – the sun, the moon, the freedom of a bird’s flight, the conversation between man and nature.

In this way, the exhibition speaks for itself. It is nurturing, it holds the soul and frees the mind.

Eduardo Chillida Belzunce

Opening 4th October – 8pm

“Light is what, with its shadows, becomes my true teacher. “Light and the loss of fear of colors are the painter’s best friends.”

Eduardo has been solving paintings for a long time, immersed in that exciting adventure that produces miracles granted by the desire and need to express things. In his studio there is rest, classical balance, and everything happens in its own time just as the light changes according to the hours of the day. Because Edu needs daylight to paint, that light that becomes the main protagonist of his works; “vigorous and pregnant with shadows”, radiant and spontaneous in its amplitude. The light in his painting is always accompanied by color, blue above all because the life of this painter “is full of blue”, of the sky and the sea seen from “Intzenea”, the family house in Igeldo on the way to the lighthouse, San Sebastian.
He analyzes light from the “inside”, how it floods or invades the interiors of his studio and his house, or in the objects he touches or caresses.

In 1985 Eduardo had a terrible motorcycle accident that caused him to remain in a coma for a month and a half. Against all medical predictions, Eduardo manages to get out of that dark tunnel, recover his speech, walk, and finally, with great effort, return to normal life. Due to the paralysis on one side that he suffered after the accident, he is forced to use his left hand to continue painting.

“If I can’t sculpt I paint, if I can’t use my right hand I use my left; “art goes more in the head than in the hands”

Eduardo builds the painting. First he prepares it, because the emptiness, the white color of the fabric and the absence of paint bother him; Cover with acrylic, paint abstract shapes and surround them with a dark, black or blue halo. Then he draws, with black oil, long lines and slow movement, fits the composition and looks for perspective. Finally, he puts paint over all of the above but “it only covers where it needs to be covered” on the outside of the painting, since if we stare at the canvases we see that the color is behind, hidden and hidden, contained. He knows how to put color even in the shadows, he is capable of creating a polychrome black.

And he always does it in a direct way and without networks, on a space full of detonating acrylic colors that serve as the first primer and support for everything that he subsequently draws, fills and shapes, in a process of concealment and subtraction. Sometimes warmer oil colors, and other times with colder and more sober ones. These are their Orígenes and will be exhibited for the first time in public in the next exhibition in the Estudio Laterna gallery curated by Andrea Sánchez.

And although it seems that he always paints the same and unique picture, his intersected worldview and his multifaceted visions of his Intz-Enea house or any other space that falls before his frontal gaze, continue to teach us that the interior space is as rich and complex as the exterior, and that internal journeys are always more absorbing and magical than the mere variations of the landscape, figures and things. Vermeer and Bacon already experienced it this way at different times.

Like the painters assigned to the New Figurations and realisms of the 70-80s, he is interested in the personal and biographical story, the story of the spaces, the lights, the people and the things that motivate him and matter to him: his house and its different spaces, his work studio, his own image as a painter and the landscapes he observes from the windows of his house.

But, in this kind of “emotional self-portrait”, linked to the expressionist tradition, other issues also appear, such as “virtual spaces” that open from some first spaces, paintings within paintings, windows and mirrors, openings of an “expansive vision.” They are “spaces that enclose other spaces, like a set of Russian dolls or Chinese boxes.”

In his sculptures the metaphysical surrounds everything and even creates a pre-humanist sensation. The bodies are without clothes, not naked, because magic and ritual may not need them and because corporeality is thus more manifest.

Enric Majoral

Permanent Exhibition

At the beginning of the 70s Enric Majoral discovered Formentera and said to himself: well, I’m going to stay this summer’ Since that small workshop in El Pilar de la Mola, greatly influenced by the island and the sea, until today, Enric Majoral has received the National Crafts Award (2007), named Master Goldsmith by the Generalitat of Catalonia. The brand has also received international recognition with the Design Gold Couture Award and the Design Silver Couture Award in Las Vegas. In addition, it has a permanent collection at the Museum of Arts and Design in New York. At Estudio Laterna we are honored to have a unique collection of his Objectes de Bronze. Being in front of a work by Enric Majoral is an experience that invites you to contemplate the lucidity of a unique creation. The ancestral Mediterranean culture, and the island of Formentera in particular, are at the base of his creative universe.

Enric Majoral bronze sculptures

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Arturo Berned

Past exhibition

ARTURO BERNED is an architect and sculptor artist whose work is based upon the reinterpretation of both shapes and space, through a geometric language. Mathematics, the Euclidean space, and the Golden Ratio are geometric tools he uses as the means to understand the world around us; the physical world and the world of the senses. Corten steel is the material with which he produces most of his sculptures.


In Estudio Laterna we are pleased of exhibiting the Series “3 Daughters”,
Corten Steel, 180cm height, 200kg each.

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Phenomena

Past Exhibition – December 2023/May 2024

Exhibition curated by Andrea Sánchez, featuring artists: Jai Vasicek, Danchú, Irene Cattaneo,
Javier Riera, Arturo Berned, Richard Hudson and Enric Majoral.
Curated by Andrea Sanchez, Phenomena exhibition translated the spirit of Estudio Laterna,
pushing boundaries beyond architecture and landscaping, connecting nature and its realms,
speaking the ever evolving language of the more-than-human. A nest of art in the heart of Ibiza island, manifesting a new perspective for local communities and international artists.
Date: December 2023/May 2024.
Phenomena
Estudio Laterna brought together different artists around the theme “Phenomena”, a project that through art awakens our understanding of ourselves and the universe.
The term “Phenomena” comes from the Greek φαινόμενoν, which means appearance or manifestation. When we speak of a Phenomena, we do not speak of the things themselves, but of how they appear to our understanding.
It is what Immannuel Kant considered as “the object of sensible experience” in “Critique of Pure Reason” (1781) and what the philosopher Edmund Husserl deepened with “the phenomenology” in the early 20th century.
On the other hand, Art is capable of capturing life and connects us with the source of our existence. If we look at the Art of ancient cultures, we observe how they experience being connected to everything: “… to think (…) things is to live in communion with them, to observe the images in order to enjoy and to see united the representations that are transported to human consciousness…” (“Mayan philosophy” , Miguel Hernández Díaz, p. 30 of the book “Latin American Philosophical Thought”, E. Dussel, E. Mendieta, C. Bohórquez, 2009).
Phenomena, curated by Andrea Sanchez, recovered this relationship between human experience and Art, and invited both creators and spectators to pay attention to how we observe in order to also see how they appear to us. It invited us to suspend our habitual way of reading the world, to wake up from our conditioning to constantly rediscover the phenomenon, to give it its voice and discover ourselves capable of seeing what has always been there… the whole universe in us.
Dr. Catherine del Carmen Alarcón Vásquez.
PhD in Education and Society from the University of Barcelona,

Landscape of the sun

Past Exhibition – May/December 2023

Exhibition curated by Andrea Sánchez in collaboration with Alex Flick, featuring artists: Alex Flick, Manuel Mathieu, Ina Gerken, Christopher Page, Nicholas Pope and Vivian Suter.
Fecha/Date: May/December 2023.

The exhibition and its canvases draw on a long history of painting – from ancient Roman frescoes 20th century Minimalism – in order to think through our contemporary visual paradigm that is dominated by screens.
Works demonstrate emotion through the visual exchange between line, form, and color to achieve harmony. Precise lines filled with power and ferocity, this guide the viewer’s experience as displays of energy. Paintings are an inquiring amalgam of figuration underpinned by abstraction, with something of the intensity of the indefinite forms that Francis Bacon is most celebrated for.
Collectively, we founded this sculpture attempt to articulate the (in)capabilities of the body. It
asked big questions about fundamental topics. What is faith? Can art play an ameliorative role in a moment of ill health? What does it mean for an object to stand in for an absent subject?
Some of the featured artists began to actively make use of local natural elements and materials in their paintings, including volcanic rock, soot, rainforest flora, rainwater, and microorganisms. This approach saw an acceptance of the power of nature and the environment. Each canvas was part of Estudio Laterna’s far-reaching ecosystem, a network of compositions that visually and physically display the abstracted story of their creation.

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Estudio Laterna is an interdisciplinary design space based in Ibiza that integrates landscape architecture with a strong artistic approach. The studio was founded in 2004 by Andrea Sánchez and Ricardo Jarpa. The landscape architectural designs are led by Andrea with a team of landscape architects, biologists and artists. The application of the designs is directed by Ricardo with a team of professional gardeners and artisans. Together they create an alternative form of landscape architectural practice that unites design and exploration, pushing boundaries, connecting nature and its realms, speaking the ever evolving language of the more-than-human. This intertwining was the leitmotif that also inspired them to create Estudio Laterna Art Gallery, a nest of art in the heart of Ibiza island, manifesting a new perspective for local communities and international artists. Estudio Laterna is also developing other creative projects such as Kossmun, an experimental outdoor furniture brand.

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Santa Gertrudis de Fruteira,
07814 Santa Eulalia des Riu, Ibiza

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Estudio Laterna es un espacio de diseño interdisciplinar establecido en Ibiza que integra la arquitectura del paisaje con un intenso abordaje artístico. Fundado en 2004 por Andrea Sánchez y Ricardo Jarpa. Todos los diseños de paisajismo son liderados por Andrea junto a un equipo de arquitectos paisajistas, biólogos y artistas. La aplicación de los diseños es dirigida por Ricardo con un equipo profesional de jardineros y artesanos. Ellos crean una forma alternativa de Arquitectura del paisaje que une diseño y exploration, atravesando fronteras, conectando la naturaleza y sus reinos, hablando el idioma siempre evolutivo de lo mas-que-humano. Ésta interconexión los inspiró para crear Estudio Laterna Gallery, un refugio de arte en el corazón de la isla de Ibiza, manifestando una nueva perspectiva para la comunidad local y artistas internacionales. Desarrolla otros proyectos creativos como Kossmun, un mobiliario experimental para exteriores.

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Carlito Dalceggio

Exposición pasada – Mayo/Octubre 2024

Cuando uno se acerca al Estudio Laterna, lo primero que llama la atención es el tono dorado de las hierbas que se balancean y una tierna sinfonía de sonido. La suave brisa guía la mente y el cuerpo hacia y a través del jardín hasta la primera obra de la exposición triunfal de Carlito Dalceggio, “Tierra Desnuda”.

Un metal recortado de una figura abstracta se alza estoicamente en el centro del espacio bucólico. La tenacidad del material contrasta con los suaves higos circundantes que gotean de sus ramas centenarias. Una paloma descansa sobre su cabeza, con las alas extendidas, dispuesta a guiar al visitante hacia el interior de la propia galería en sus agradables y tranquilos caminos. Dalceggio nació en Canadá, aunque desde hace mucho tiempo es ciudadano del mundo. Su trabajo a menudo se inspira y materializa a través de narrativas míticas y simbólicas; esto se vuelve cada vez más evidente a medida que uno avanza por la exposición.

Casi la totalidad del trabajo de la serie se ha realizado en Ibiza. Los colores que emplea hablan de esta verdad; Rojos ocres que recuerdan el rico suelo de hierro, dorados que recuerdan el cálido resplandor del atardecer, tonos aguamarina para reflejar el movimiento de las aguas en diferentes profundidades en infinitas calas y cuevas. Este recordatorio oceánico prevalece más allá de la obra misma; las paredes se mueven con una calidad de marea creada a través de una forma tradicional ibicenca de enlucir y colocar capas. El trabajo está en una constante conversación exitosa.
con su contexto espacial, elevando ambas entidades. Esta misma noción es indicativa de la narrativa de la exposición y la filosofía del Estudio Laterna: debemos cultivar la simbiosis en nuestras relaciones y nuestras sociedades para elevarnos unos a otros a un nivel más alto del que podríamos haber alcanzado solos. Dalceggio describe el estilo de su obra como “futurismo primitivo”. La palabra primitivo ha llegado a ser entendida en la sociedad moderna como una descripción desagradable de algo “menor”. Sin embargo, tengo entendido, que ha sido reforzado por esta exposición, que para Estudio Laterna x SmithVaitiare regresar a formas más simples no siempre es un paso atrás, sino que a menudo es la forma más efectiva de avanzar. Tomar consejos del pasado, como la inspiración estilística que Carlito ha tomado de Matisse y Picasso, puede informar estructuralmente nuevas formas de comunicación en el ahora y en el futuro.

La obra de Dalceggio busca en definitiva proponer un nuevo camino, un futuro más pacífico y positivo para la humanidad. Lo hace no sólo a través de la pura alegría estética que transmite su trabajo, sino también mediante el uso de arquetipos universales con los que podemos relacionarnos en un nivel humano básico: el sol, la luna, la libertad del vuelo de un pájaro, la conversación entre el hombre y naturaleza.

De esta manera, la exposición habla por sí sola. Es nutritivo, sostiene el alma y libera la mente.

Eduardo Chillida Belzunce

Opening 4 de Octubre – 20hs

“La luz es la que con sus sombras se hace mi verdadera maestra. La luz y la pérdida del miedo a los colores son los mejores amigos del pintor.”

Eduardo lleva mucho tiempo resolviendo cuadros, inmerso en esa aventura apasionante que produce
milagros concedidos por el deseo y la necesidad de expresar cosas. En su estudio hay reposo, equilibrio clásico, y cada cosa discurre a su tiempo lo mismo que la luz cambia según las horas del día. Porque Edu necesita la luz del día para pintar, esa luz que se convierte en la protagonista principal de sus obras; “vigorosa y preñada de sombras”, radiante y espontánea en su amplitud. La luz en su pintura siempre está acompañada por el color, el azul sobre todo porque la vida de este pintor “está llena de azul”, del cielo y del mar vistos desde “Intzenea”, la casa familiar en Igeldo camino del faro, San Sebastián. Él analiza la luz desde los “adentros”, como inunda o invade los interiores de su estudio y de su casa, o en los objetos que soba o acaricia.

En 1985 Eduardo tuvo un terrible accidente en moto que le hizo permanecer en coma un mes y medio.Contra todos los pronósticos médicos, Eduardo consigue salir de ese túnel oscuro, recuperar el habla, andar, y en fin, con mucho esfuerzo, incorporarse de nuevo a la vida normal. Por culpa de la parálisis de medio lado que sufrió tras el accidente se ve obligado a usar la mano izquierda para poder continuar con la pintura.

“si no puedo esculpir pinto, si no puedo usar la mano derecha uso la izquierda; el arte va mas en la cabeza
que en las manos”

Eduardo construye el cuadro. Primero lo prepara, porque le molesta el vacío, el color blanco de la tela y la ausencia de pintura; cubre con acrílico, pintas formas abstractas y las envuelve con una aureola oscura, negra o azul. Después dibuja, con óleo negro, líneas de trazo largo y movimiento lento, encaja la composición y busca la perspectiva. Finalmente, pone pintura sobre todo lo anterior pero “solo tapa donde hay que tapar”en la parte exterior del cuadro, ya que si clavamos los ojos en las telas vemos que el color está detrás, embozado y emboscado, contenido. Sabe poner color hasta en las sombras, es capaz de crear un negro polícromo.

Y lo hace además siempre de forma y manera directa y sin redes, sobre un espacio lleno de colores acrílicos detonantes que le sirven de primera imprimación y soporte de todo lo que posteriormente él dibuja, llena y plasma, en un proceso de ocultación y de resta, unas veces colores al óleo más calientes, y otras con mas fríos y sobrios. Estos son sus Orígenes y serán expuestos por primera vez en público en la próxima exhibición en la galería del Estudio Laterna curada por Andrea Sánchez.

Y aunque parece que siempre pinta un mismo y único cuadro, su cosmovisión interseccionada y sus
visiones poliédricas de su casa Intz-Enea o de cualquier otro espacio que caiga ante su frontal mirada,
siguen enseñándonos que el espacio interior es tan rico y complejo como el exterior, y que siempre los viajes internos son mas absorbentes y mágicos, que las meras variaciones del paisaje, las figuras y las cosas. Vermeer y Bacon ya lo experimentaron así en diversas épocas.

Como a los pintores adscritos a las Nuevas Figuraciones y realismos de la década de los 70-80, le interesa el relato personal y biográfico, el relato de los espacios, las luces, las personas y las cosas que a él le motivan y le importan: su casa y sus distintos espacios, su taller de trabajo, su propia imagen de pintor y los paisajes que observa desde las ventanas de su casa.

Pero, en esa especie de “autorretrato emocional”, ligado a la tradición expresionista, también aparecen otros asuntos, como son los “espacios virtuales” que se abren a partir de unos primeros espacios, cuadros dentro de cuadros, ventanas y espejos, aperturas de una “visión expansiva”. son “espacios que encierran otros espacios, como un juego de muñecas rusas o de cajas chinas”.

En sus esculturas lo metafísico lo envuelve todo y hasta crea una sensación prehumanista. Los cuerposestán sin ropa, no desnudos, porque la magia y el rito pueden no necesitarlos y porque la corporeidad queda así mas manifiesta.

Enric Majoral

Exposición Permanente

A comienzos de los años 70 Enric Majoral conoció Formentera y se dijo: bueno, me voy a quedar este verano’
Desde aquel pequeño taller en El Pilar de la Mola, muy influido por la isla y el mar, hasta hoy, Enric Majoral ha recibido el Premio Nacional de Artesanía (2007), nombrado Maestro orfebre por la Generalitat de Catalunya. La marca ha recibido igualmente el reconocimiento internacional con el Design Gold Couture Award y el Design Silver Couture Award de Las Vegas. Además, cuenta con una colección permanente en el Museum of Arts and Design de Nueva York.
En Estudio Laterna estamos honrados de contar con una colección permanente de sus Objectes de Bronze. Estar frente a una obra de Enric Majoral es una experiencia que invita a contemplar la lucidez de una creación única. La cultura mediterránea ancestral y la isla de Formentera en particular están en la base de su universo creativo.

Enric Majoral esculturas de bronce

Haga clic aquí para ver todas

Arturo Berned

Exposición pasada

ARTURO BERNED es un artista arquitecto y escultor cuyo trabajo se basa en la
Reinterpretación tanto de las formas como del espacio, a través de un lenguaje geométrico. Matemáticas, el espacio euclidiano y la proporción áurea son herramientas geométricas que utiliza como medio para comprender el mundo que nos rodea; el mundo físico y el mundo de los sentidos. corten el acero es el material con el que realiza la mayoría de sus esculturas.

En Estudio Laterna tenemos el placer de exhibir la Serie “3 Hijas”,
Acero corten, 180 cm de altura, 200 kg cada uno.

Phenomena

Exposición Pasada – Diciembre 2023/Mayo 2024

Curada por Andrea Sánchez, Phenomena traduce el espíritu de Estudio Laterna, ampliando los límites entre arquitectura y paisajismo, conectando con la naturaleza y sus reinos, hablando el idioma siempre en evolución de lo mas-que-humano. Un refugio de arte en el corazón de la isla de Ibiza, manifestando una nueva perspectiva para la comunidad local y los artistas internacionales.
Phenomena
Estudio Laterna reúne a diferentes artistas en torno al tema “Phenomena”, proyecto que a través del arte nos despierta el entendimiento sobre nosotros y el universo.
El término “Phenomena” viene del griego φαινόμενoν, que significa aparición o manifestación. Cuando hablamos de un Fenómeno, no hablamos de las cosas en sí, sino de
cómo aparecen a nuestro entendimiento.
Es lo que Immannuel Kant consideró como “el objeto de la experiencia sensible” en “Crítica de la Razón Pura” (1781) y lo que profundizó el filósofo Edmund Husserl con la
fenomenología de principios del siglo XX.
Por otra parte, el Arte es capaz de captar la vida y nos conecta con la fuente de nuestro existir. Si observamos el Arte de las culturas ancestrales, observamos cómo experimentan estar conectado con todo: “… pensar (…) cosas es vivir en comunión con ellas, observar las imágenes para gozar y ver
unir las representaciones que se transportan a la conciencia humana…” (Filosofía Maya, Miguel Hernández Díaz, pág. 30 del libro Pensamiento Filosófico Latinoamericano, E. Dussel, E. Mendieta, C. Bohórquez, 2009)
Phenomena, curada por Andrea Sánchez, recobra esta relación entre la experiencia humana
y el Arte, e invita tanto a creadores como espectadores a poner atención a cómo
observamos para también ver cómo se nos aparecen. Nos invita a que suspendamos la
manera habitual de leer el mundo, despertemos de nuestros condicionamientos para
redescubrir constantemente el fenómeno, darle su voz y con ello nos descubramos capaces
de ver lo que siempre estuvo ahí… todo el universo en nosotros.
Dr. Catherine del Carmen Alarcón Vásquez.
Doctora en Educación y Sociedad por la Universidad de Barcelona.

Landscape of the sun

Exposición Pasada – Mayo/Diciembre 2023

Exposición comisariada por Andrea Sánchez en colaboración con Alex Flick, con la participación de los artistas: Alex Flick, Manuel Mathieu, Ina Gerken, Christopher Page, Nicholas Pope y Vivian Suter.
Fecha/Fecha: Mayo/Diciembre 2023.

La exposición y sus lienzos se basan en una larga historia de la pintura, desde los antiguos frescos
romanos hasta el minimalismo del siglo XX, para reflexionar sobre nuestro paradigma visual
contemporáneo dominado por las pantallas.
Las obras demuestran emoción a través del intercambio visual entre línea, forma y color para lograr armonía. Líneas precisas llenas de poder y ferocidad, guían la experiencia del espectador como muestras de energía. Las pinturas son una inquisitiva amalgama de figuración sustentada en la abstracción, con algo de la intensidad de las formas indefinidas por las que Francis Bacon es más célebre. Colectivamente, fundamos este intento escultórico de articular las (in)capacidades del cuerpo. Planteó grandes preguntas sobre temas fundamentales. ¿Qué es la fe? ¿Puede el arte desempeñar un papel de mejora en un momento de mala salud? ¿Qué significa que un objeto sustituya a un sujeto ausente?
Algunos de los artistas destacados comenzaron a utilizar activamente elementos y materiales
naturales locales en sus pinturas, incluida roca volcánica, hollín, flora de la selva tropical, agua de
lluvia y microorganismos. Este enfoque supuso una aceptación del poder de la naturaleza y el
medio ambiente. Cada lienzo era parte del ecosistema de gran alcance de Estudio Laterna, una
red de composiciones que muestran visual y físicamente la historia abstracta de su creación.

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